





Hotel Felicidad
Galería Casado Santapau, Madrid
Aldo Chaparro
January 21 – February 28, 2021
A un lado de la carretera panamericana, en el pueblo llamado Metetí, Panamá, se encuentra un hotel llamado Hotel Felicidad.
Metetí siempre ha sido conocido como un lugar de tránsito, ya que desde los años 70 –cuando el gobierno abrió camino en la durísima selva del Darién– muchísimos migrantes de todo tipo, pero especialmente africanos, inician ahí su largo recorrido hacia Norteamérica.
Hace unos meses –durante esas exploraciones en internet que empiezan buscando camisas y terminan encontrando pingüinos– me encontré con esta historia fantástica, que en gran medida le dio forma a esta exposición.
Durante la década de 1980, los migrantes africanos encontraban en Metetí un lugar para un merecido descanso en su camino hacia la peligrosa y densa selva del Darién. Se escondían donde podían, incluso en los famosos bunkers construidos por los gringos en 1941 después del ataque a Pearl Harbor (pues estaban convencidos de que ahí sería el próximo ataque japonés), y que ahora se han convertido en uno de los atractivos turísticos de Metetí.
Las condiciones de vida de estos migrantes eran muy duras, en los bunkers y en la selva, pues además de enfrentar las dificultades del medio, eran duramente perseguidos por el Senafront (Servicio Nacional de Fronteras) en su paso por Panamá.
En esos años, y hasta hace poco, la dueña del Hotel Felicidad era una mujer en sus 40 llamada por todos “la patrona Isabel”. Ella era una gran amante de dos temas importantes: la música de los años 70 y 80, y su secreta labor escondiendo, cuidando y protegiendo a los africanos que estaban de paso por Metetí.
La patrona Isabel dedicaba sus pocos ingresos, y la infraestructura de su hotel, a dar asilo y ayuda a todas esas personas en su incierto camino hacia el norte del continente. Cuentan las historias que, en las calientes noches del verano panameño, inmigrantes y pobladores de Metetí se juntaban en los jardines del Hotel Felicidad a tomar, bailar y hacer música. Al parecer, en un intento por complacer a su generosa anfitriona, los migrantes africanos combinaban su propia música con sonidos ochenteros, lo que dio origen a un tipo de música de un sincretismo sin precedentes que los locales llamaban rockoteti.
Durante años, la patrona Isabel ayudó en su paso a cientos de migrantes, dándoles asilo y comida a cambio de música y fiesta. Es prácticamente imposible encontrar ejemplos del famoso rockoteti, pero la historia desató en mi imaginación una cantidad infinita de imágenes y asociaciones que resultaron en algunas de las piezas que pueden ver en esta exposición.
La combinación de música, culturas y buena voluntad, en un contexto tan complejo, me recordó mucho el momento que estamos viviendo, y es por eso que decidí trabajar estas pinturas durante la cuarentena, como un recordatorio de lo que para mí debería ser la verdadera felicidad.
Hotel Felicidad
On one side of the Pan-American highway, in the town called Metetí, Panama, there is a hotel called Hotel Felicidad (Hotel Happiness).
Metetí has always been known as a place of transit. Since the 70s –when the government made its way through the harsh Darién jungle– many migrants of all kinds, but especially Africans, began their long journey to North America there.
A few months ago –during those explorations on the internet that start looking for shirts and end up finding penguins– I came across this fantastic story, which to a large extent shaped this exhibition.
During the 1980s, African migrants found in Metetí a good place for a well-deserved rest on their way to the dangerous and dense Darién jungle. They hid where they could, even in the famous bunkers built by the gringos in 1941 after the attack on Pearl Harbor (since they were convinced that the next Japanese attack would take place there) and that have now become a tourist attraction of Metetí.
The living conditions of these migrants were very difficult, in the bunkers and in the jungle. In addition to facing the difficulties of the environment, they were harshly persecuted by the Senafront (National Border Service) in their passage through Panama.
In those years, and until recently, the owner of the Hotel Felicidad was a woman in her 40s called by all “la patrona (the boss) Isabel.” She was a great lover of two important themes: the music of the 70s and 80s, and her secret work hiding, protecting, and caring for the Africans who were passing through Metetí.
La patrona Isabel dedicated her little income, and the infrastructure of her hotel, to provide asylum and help all those people on their uncertain path to the north of the continent. The stories tell that, on the hot nights of the Panamanian summer, immigrants and residents of Metetí gathered in the gardens of the Hotel Felicidad to drink, dance, and make music. Apparently, in an attempt to please their generous hostess, African migrants combined their own music with eighties sounds, giving rise to a type of music of unprecedented syncretism that locals called rockoteti.
For years, la patrona Isabel helped hundreds of migrants in the passage, giving them asylum and food in exchange for music and parties. It is practically impossible to find examples of the famous rockoteti, but this story unleashed in my imagination an infinite amount of images and associations that resulted in some of the pieces that you can see in this exhibition.
The combination of music, cultures, and goodwill, in such a complex context, reminded me a lot of the moment we are living in, and that is why I decided to work on these paintings during the quarantine, as a reminder of true happiness.




Galería Colector
Fernanda Caballero & Aldo Chaparro
EVERYTHING YOU ALWAYS WANTED TO KNOW ABOUT US BUT WERE TOO AFRAID TO ASK.
November 10, 2020, Monterrey, México
When the quarantine started, we all had to save ourselves.
Some of us watched many series, some had many virtual meetings, others exercised, some resumed their hobbies, but those who had the least difficulty being locked up were the artists, they continued doing what they always do.
Being in his studio working, thinking, and creating.
In the case of Aldo Chaparro and Fernanda Caballero, this house/studio is located in Valle de Bravo. Through their networks, they made us participants in their creative process. Through their networks they made us participate in their creative process.
We saw how new works began, how some previous series continued or developed or how they created some unique pieces.
We also saw them live their daily lives where yoga, art, gardening, multiple animals, and pets coexist without beginning and end. In my case, it was very enriching to live these times through them. Now in this exhibition, their first set shows us the result of all this and they bring us a little of that life that they lead to this exhibition space.
Work full of color, life, and love.
Alejandro Romero



Art Miami and CONTEXT Art Miami Special Online Edition
VIP Preview: December 1
Open to the Public: December 2-20
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About Art Miami
In its 31st year, Art Miami maintains a preeminent position in America’s modern and contemporary art fair market and is globally recognized as a primary destination for the acquisition of the most important works from the 20th and 21st centuries.
About CONTEXT Art Miami
CONTEXT Art Miami features emerging and mid-career artists presented by leading contemporary galleries. In addition, CONTEXT annually showcases new works specifically crafted for the fair including curatorial projects, solo artists presentations and a series of special exhibitions.





🟥🟦⬜️🟨🟪
Una exposición de Aldo Chaparro y Alex Romero
Curada por Alonso Cedillo
Cozumel 81, Col Roma, CDMX












Too Late To die Young
Espacio German Krüger Espantoso
Sede ICPNA Miraflores, Lima Perú, March 12, 2020
Retrospective
Aldo Chaparro
Cuaratorship
Max Hernández Calvo
A lo largo de los años, el trabajo de Aldo Chaparro ha respondido a una metodología fundamental: establecer una relación de tensión con una materia para transformarla. Dicha relación puede estar atravesada por un sentido lúdico o responder a una mirada irónica, pero siempre busca hacer surgir nuevas posibilidades contenidas en los materiales, las formas, las técnicas, los procesos, y los conceptos.
Además de su relación obstinada con la materia física (como aquellas piezas que surgen de una pugna con el acero o la madera), Aldo Chaparro también lidia con materias intangibles como los conceptos artísticos y los protocolos del mundo del arte. Así, por ejemplo, juega con la noción de tallado, extrapolando dicha técnica escultórica tradicional para hablar del vacío, o, asimismo, parodia la idea de originalidad y autoría mediante sus múltiples citas (como las letras de canciones en sus posters) y sus trabajos colaborativos (con el grupo de música Plastilina Mosh, con el escritor Mario Bellatin, o, transtemporalmente, con su padre, José Chaparro). El artista también se replantea las distinciones entre el diseño y el arte o la contemplación y la funcionalidad, como con su Mesa para galerías o MCHF, su pintura de pared para salas de exposición. En esa línea, cabe recalcar la difusión que hace del trabajo de otros artistas. El Aparador Cuchilla, que recrea el de su estudio en Ciudad de México, nos ofrece la oportunidad de ver la obra de otro artista (Pablo Ravina).
Acaso la gran preocupación que atraviesa la trayectoria de Aldo Chaparro concierne a la pregunta “¿qué (más) significa ser un artista?”. Para entender como ha intentado responder dicha pregunta, se ha optado por incluir su voz, que describe los proyectos seleccionados para la muestra, que revelan su aproximación, metodología, y preocupaciones fundamentales, así como la profundidad filosófica de su humor.
He ahí el sentido de su referencia a la muerte en el título: ya es demasiado tarde para morir joven (el dudoso glamour maldito del romanticismo), pero tampoco es cuestión de pedirle a la muerte que se apure. “Carpe diem” decía Horacio. Pero no debemos olvidar las palabras que le siguen a ese poema: “quam minimum credula postero”—confía mínimamente en el mañana—.
Max Hernández Calvo





Songs for Fernanda
Nueve Ochenta
Diagonal 68 #12 – 42, Bogotá Colombia, March 12, 2020
Works by
Aldo Chaparro
Yo siempre pensé que el color era un conocimiento innato que se iba sofisticando con el tiempo y la práctica, definitivamente ese no fue mi caso.
Durante años intenté pintar, pase del figurativo al abstracto muchas veces, manche, hice collage, usé textos, hoja de oro, óleo, acrílico, pigmentos naturales, dejé mis bastidores al sol, a la lluvia, estudié a Tiziano, Rivera, Velazquez, Picasso, Mondrian, futuristas, modernistas, cinetistas etc.
Pero mis pinturas tenían un error en su propio eje: siempre intentaban hablar sobre el volumen, si no era un volumen representado en la superficie del cuadro era acerca del volumen mismo del cuadro, era evidente que mi relación con el volumen, el eje de mi actividad como escultor, era un obstáculo para relacionarme con el color libremente.
No fue hasta que regrese de un viaje a Marruecos donde en un pueblito de los Atlas buscando textiles descubrí los boucherites, se trata de textiles que podrían interpretarse como mal hechos, de hecho en la ciudad nadie los vendía y se ofendían si preguntaba por ellos. No están mal hechos, se trata de un trabajo más suelto, que evidentemente parten de la improvisación, esa evidente soltura que rompía con todas las reglas de composición y uso del color me marcó para siempre. Cuando regrese a méxico cargado de boucherites me dedique a tratar de entenderlos sin mucho éxito pero fue ahí donde apareció en mi el deseo de solucionar ese asunto pintando yo mismo. Podríamos decir que los Boucherites detonaron en mi una conexión conmigo mismo menos cerebral y más instintiva, ahora cuando empiezo un cuadro no tengo idea a donde iré y cómo llegaré. Contrario a el resto de mi trabajo que es bastante más cerebral y técnico, pintar para mi a esta edad es una forma de conectar conmigo mismo, conectar con ese canal o fuerza que no controlamos, esa fuente constante de emociones, imágenes y sentimientos que no se pueden traducir o dominar, solo puedes aspirar a que en algún momento cuando estás distraído se apodere de ti y te utilice como un instrumento para materializarse en forma de color y forma. Tal vez la mejor forma que tengo para explicarlas es la música, cada uno es una canción que se debe ver/escuchar esperando que su ritmo reverbere empaticamente en nosotros.










Arriba de la Mueblería
Aldo Chaparro Studio
Cozumel 81, Col. Roma Mexico City, February 4 – April 4, 2020
Works by
Aldo Chaparro
Fernanda Caballero
Carlos Baeza
Alonso Cedillo
Aldo Chaparro Studio presenta cuatro muestras individuales que, de manera simultánea, generan una reflexión sobre flujos y procesos de la producción artística contemporánea en México. Se trata de un conjunto de obras que juegan con la ilusión óptica y la intuición. Guiadas por el placer y el derroche, son sumamente expresivas de nuestra era del simulacro.
Basada en el tópico vanitas, alegoría barroca sobre la transitoriedad de la vida, Cha Baeza expone una serie de fotografías que reformula motivos iconográficos de la naturaleza muerta y el bodegón, actualizando la vigencia de dichos géneros. Las fotografías de Baeza engañan al ojo del espectador: su técnica de claroscuro es lo bastante hábil como para hacerse pasar por pinturas.
En la galería encontramos la exploración pictórica más reciente de Aldo Chaparro, quien también opta por el trampantojo como estrategia. Al interrogar los límites entre los soportes artísticos, sus pinturas modulares se reconfiguran de manera tridimensional en el espacio, haciéndose pasar por esculturas, o bien, por relieves. Estas se inspiran en los boucherouites de Marruecos, textiles hechos de retazos que no obedecen a ningún patrón fijo, tan solo a la armonía entre colores y la acumulación de formas sobre sí.
Parodia de los gabinetes de curiosidades del siglo XVII (wunderkammern), Alonso Cedillo comparte sus Reaction Paintings, conjunto de pinturas de pequeño formato que mimetiza las “reacciones” de Facebook. Mediante un procedimiento análogo vinculado al arte post-digital, las creaciones de Cedillo ironizan sobre los tiempos de hiperconsumo y likes instantáneos, donde el juicio estético se ha vuelto frívolo.
Por último, Fernanda Caballero se apropia del Aparador Cuchilla con un trabajo pictórico que trastorna su dinámica habitual. Desde el año 2009, por iniciativa de Aldo Chaparro y Alejandro Romero “Chicle”, el aparador ha albergado en su interior distintas comisiones in situ. Así, Caballero decide instalar la pieza al exterior del mismo, de modo que el azar y el clima dictarán su destino. El gesto puede ser interpretado, en última instancia, como una poética del desprendimiento.
Juan Pablo Ramos (UNAM) | IG: @elguaruradelucero







The Abstract Cabinet
Galería Eduardo Secci
Florence – Italy, June 271 – September 7, 2019
Curated by Friederike Nymphius Dates
Eduardo Secci Contemporary is pleased to present the exhibition The Abstract Cabinet curated by Friederike Nymphius.
The show will feature works by a group of international artists coming from different artistic as well as cultural backgrounds. Although working with different media, they share an interest in abstract principles, interpreted and employed individually by each artist. The character of the concept is accentuated by the formally reduced formal aspect of the works, by the use of few colors like black, white, grey, silver contrasted with bright pink and blue. The artists mix an abstract vocabulary with a strong consciousness for the presence thus emphasizing the specific aesthetics of the show.
As the rest of his sculptures, Aldo Chaparro’s Totems(Lima, 1965,lives and works in Mexico City, New York and Lima)aren’t trying to create the illusion of reality. He has abandoned true to life perspective, working with artificial space relations that makes us think not into reality, but into its essence. This act allows us to the idle space and moment of creation, inwhichyouget to know yourself until you construct yourself. Caro Jost (Munich 1965, lives and works in Munich and New York) based her research on the reproduction and documentation of time, space and events and placing them in a current, contemporary context. She started her long-term project Streetprintsin New York: using a special, self-developed technique to capture traces of the past, Jost takes real imprints of street and sidewalk surfaces on canvas from so far over 80 cities worldwide. “Streets and sidewalks are the purest reflections of our human way of life”, she once declared. Beth Letain (California, 1976, lives and works in Berlin) works on monumentally scaled paintings, adamantly, absurdly honest about what they are: brightly colored stripes, squares, stacks, and slabs suspended across impossibly weightless white grounds. These are lively and quotidian forms, easily named but stubbornly resistant to description. In their simplicity, their unassuming thematic variations, these works hold up a mirror to painting’s modernist past.Gerold Miller(Altshausen, 1961, lives and works in Berlin) hasalwayspursued a radical and elegant strategy in which he exits the picture without actually leaving it. The Monoforms are the furthest reaching development in this direction, for they stretch the traditional format of the ‘picture’ to the extreme. The actual process of arriving at the image has to be done by the viewer. By pointing to the wall as the ultimate ground, and dispensing with colorand form as theonlymeans, Miller revokesthe boundaries of abstract painting and minimalist sculpture, andpushes these categories into the realm of the conceptual. Michael Staniak(1982, Melbournewhere he currently lives and works) creates the paintings mostly by hand -he builds up texture with uneven layers of plaster and then paints the surface in a range of ways -his paintings bear an uncanny resemblance to flat digital prints.Indeed, one must viewthe works up close to perceive any texture or depth, and as such, they behave like contemporary trompe l’oeil paintings that baffle the senses. The works of Katja Strunz(1970, Ottweiler, lives and works in Berlin)bear the traces of lived experience, of a past that manifests itself through the use of recycled materials. Her sculptural practice, seeped in history, finds its roots in the constructivists and avant-gardes. While elegant in their construction, the sculptures also retain a handmade aspect, revealing their aging over time. The influences of Blair Thurman(1961, New Orleans, lives and works in New York)range from Pop art and Minimalism to relics from childhood, popular music, and 1970s cinemas. His standardized forms, pulled from slot-car racetracks, architectural frameworks, and found shapes from daily life, comprise a personal iconography; the fascinations of boyhood working to render the subliminal realm of abstract geometries more idiosyncratic and accessible. The industrial printer isthe most natural artistic medium for Thomas Wachholz(1984, Cologne, where he lives and works): from the very beginning he has been experimenting with its technical capabilities, testing the limits of what is feasible.The composition of the image which normally marks the unremovable beginning of graphic design, is shifted to the end and claims herewith a newpositioning for graphic design. Wachholz’ investigation on the limits of painting generates an art of opposites: machine versus manual, fullness versus void, color versus non-color.




Lengua Barbara
Galería Casado Santapau
Madrid – Spain, January 31 – March 3, 2019
Lengua madre // Lengua bárbara
La exhibición reúne el trabajo de doce artistas peruanos que mediante las obras presentadas exploran ideas relacionadas a los fenómenos del lenguaje y la escritura como herramientas culturales que desarrollan diversas formas de pensamiento.
Diferentes culturas pre-hispánicas en el Perú desarrollaron sistemas de comunicación gráfica mediante la utilización de diversos símbolos como los tocapu y cuerdas de lana o algodón con nudos llamados quipu. Con la conquista, la erradicación de las prácticas pre-hispánicas fue eliminando los rastros de estos sistemas de escritura llevándolos a su extinción. Así mismo, muchas de las lenguas – entre 300 y 700 lenguas que se hablaban en el Perú antiguo desaparecieron, quedando menos de 150 lenguas en la actualidad.
Esta ruptura con elementos de la cultura atávica, producto de la imposición de un nuevo idioma y sistema de escritura, fue instaurando mediante la evangelización, un nuevo modelo de pensamiento que se valió del lenguaje y la escritura como una herramienta fundamental para el sometimiento y control de los pueblos recién conquistados.
Se ha investigado si el desarrollo del lenguaje es intrínseco en el ser humano, o si es una experiencia adquirida por imitación. Existe un gran debate entre lingüistas, filósofos y sicólogos quienes discuten si el pensamiento humano es activado a través del lenguaje o viceversa. De una u otra forma, considerando la diversidad estructural en las que se desarrollan las lenguas y sistemas de escritura, se puede decir que éstos legados culturales adaptan y modifican nuestra manera de pensar, y como nos relacionamos con el mundo… alterando gradualmente nuestra biología y desarrollo mental.
Las obras reunidas en esta exhibición, abordan estos tópicos. Y coinciden en que la necesidad de comunicar mediante los sonidos, imágenes, patrones geométricos, códigos, alfabetos inventados, sigue siendo tan vital como nuestra necesidad de comprenderlos.




















































































Lat. 25º 40′ Long. 100º 19′
Aldo Chaparro, Centro de las Artes
Monterrey, México – 2018
SOLO SHOW
Aldo Chaparro MTY 1998 – 2018 Lat. 25º 40′ Long. 100º 19′ es la exposición que representa el lugar geográfico donde se ubica el periodo comprendido entre los años de 1998 y 2008 en el trabajo de Aldo Chaparro, artista peruano avecindado en la Ciudad de México. Con una trayectoria más reconocida como escultor lo de Chaparro se trata de un eterno viaje entre la experimentación de materiales y el ejercicio crítico de la praxis artística. La muestra permite revisar los diferentes proyectos personales y colaborativos que el artista desarrolló en la ciudad y permite además poner en perspectiva el acontecer en el área cultural en Monterrey en esa época que se caracterizó por la vitalidad y lo propositivo que resultaban sus agentes culturales. La exposición deja ver como en el cambio de siglo se gestaba simultáneamente un cambio generacional de los actores que definían el quehacer fundamental en el mundo de la cultura y las artes en la localidad, éstos con un punto de vista informado y generador de múltiples interrogantes.
Centro de las Artes | Sala Principal.
Inauguración: 8 de noviembre | 20:00 h.
Martes a domingo | 11:00 a 21:00 h.
Entrada libre.










Blue Monday
Aldo Chaparro Studio
México – 2018
GROUP SHOW
Is a celebration/exploration of the blue color.
A meditation on the meaning given to blue on different civilizations and historic moments.
The way it has been used by art history, from Yves Klein’s works to Picasso’s blue period. Or similar to Kieslowski and Derek Jarman’s movies.
The show will open at the new exhibition space in Aldo Chaparro Studio and is organized by Aldo Chaparro and Alejandro Romero.
The artists are Monika Bravo, Aldo Chaparro, Mario García Torres, Erris Huigens and Gysbert Zijlstra (Graphic Surgery), Iván Krassoievitch, Ismael Merla, Gerold Miller, Ana Montiel, Jaime Poblete, Alejandro Romero, Saúl Sanchez and Ariel Schlesinger.









Mártires de la conquista
Public Art Projects, México – 2018
GROUP SHOW







Modelling Matter
Aldo chaparro & Antinio Santin
Mumbai, India – 2018
GROUP SHOW
Crossing the boundaries between painting, sculpture and performance is a common contemporary artistic practice – often with stunning results that not only reveal a re-interpretation of form and genre but also puzzle the perception of the viewer and prompt great curiosity about what we see. Aldo Chaparro’s and Antonio Santin’s latest works are a case in point. Both artists work across various media media and genres and are equally interested in how sculptural characteristics, like the creation of three dimensional elements, perform on a two-dimensional format.






Melancolía
National Art’s Museum (MUNAL)
Mexico City, Mexico 2017
Sculpture: Poliedro de Durero
GROUP SHOW












RAW
Sala Luis Miró Quesada Garland, Galería Casado Santapau
Lima, Perú – 2017
SOLO SHOW
Premio Luces (Best Exhibition), 2017







Untitled
Instalación en Hotel El Ganzo
Los Cabos, México – 2017
SOLO SHOW



Amastan
Peana Projects
Paris, Francia – 2017
SOLO SHOW


Modern Sculpture
Galería Casado Santapau
Madrid, España – 2017
GROUP SHOW
Shaping Space
Galerie Isa
Mumbai, India – 2017
GROUP SHOW










Golden Years
Galería Casado Santapau
Madrid, España – 2016
SOLO SHOW



Deconstruction- Reconstruction
Art & Public Cabinet PH
Ginebra, Suiza – 2016
GROUP SHOW




“Purple”
Art & Public Cabinet PH
Ginebra, Suiza – 2015
SOLO SHOW



La Raíz del Asunto
Aldo Chaparro & Iñigo Zulueta
Madrid, España – 2015
SOLO SHOW





Approaching Silence
Galería Casado Santapau
Madrid, España – 2015
SOLO SHOW









Demoler
Public Art Projects
Ciudad de México, México – 2015
GROUP SHOW



Abstraction and Nothing
FIFI projects
San Pedro Garza-García, México – 2015
GROUP SHOW
The State of Parenthesis
FIFI projects
San Pedro Garza-García, México – 2014
GROUP SHOW
Approaching Silence
FIFI projects
San Pedro Garza-García, México – 2014
SOLO SHOW
RIVOTRILANHEDONIA
IDEOBOX Gallery
Miami, EUA – 2013
SOLO SHOW








Portal
Intervención en la Iglesia Santa Clara
Bogotá, Colombia- 2013
SOLO SHOW






Intervención en el Palazzo Pamphilij
Roma, Italia- 2013
SOLO SHOW









My Better Half
Spazio Nuovo Gallery
Roma, Italia – 2013
SOLO SHOW






Se Que Te Mueres Por Mí
Galería Lucía de la Puente
Lima, Perú – 2013
SOLO SHOW
Natures Mortes I
FIFI Projects
San Pedro Garza-García, México – 2013
GROUP SHOW
I´ve Lost Control Again
James Kelly Gallery
Santa Fe, EUA – 2012
SOLO SHOW
Hip Ahora, Mañana Who Knows
Galería Casado Santapau
Madrid, España – 2012
SOLO SHOW
Quinquenio
Galería Nueveochenta
Bogotá, Colombia – 2012
GROUP SHOW
What if?
Leeahn Gallery
Daegu/Seúl, Corea – 2011
SOLO SHOW
The Space Between Now and Then
Galería OMR y el52
Ciudad de México, México – 2011
GROUP SHOW
Vanishing Act
FIFI Projects
Nueva York, EUA – 2010
SOLO SHOW
Oh! Sweet Nuthin’
OMR
Ciudad de México, México – 2010
SOLO SHOW








More Than This
Sonja Roesch Gallery
Houston, EUA – 2010
SOLO SHOW
Solo project
Art Dubai
Madinat Jumeirah Arena – 2010
SOLO SHOW
Solo project
Pinta Art Fair
Londres, Reino Unido- 2010
SOLO SHOW
Here we are now, entertain us
Galería Nueveochenta
Bogotá, Colombia- 2009
SOLO SHOW
Too drunk to fuck
White Cubicle Toilet Gallery
Londres, Reino Unido- 2009
SOLO SHOW
Vanishing Act
FIFI Projects
Nueva York, EUA- 2009
SOLO SHOW
Two Black Monoliths
Museo Experimental El Eco
Ciudad de México, México- 2009
SOLO SHOW


Erase Memory
SOLO SHOW
Too Late To Die Young
Songs for Fernanda
Arriba de la Mueblería
The Abstract Cabinet
Lengua Barbara
Lat 25o 40’ Long 100o 19’ MTY
Mártires de la conquista
Modelling Matter
Melancolía
RAW
Untitled
Amastan
Modern Sculpture
Shaping Space
Golden Years
Deconstruction-
“Purple”
La Raíz del Asunto
Approaching Silence 2015
Demoler
Abstraction and Nothing
The State of Parenthesis
Approaching Silence 2013
RIVOTRILANHEDONIA
Portal, Intervención en la Iglesia Santa Clara
Intervención en el Palazzo Pamphilij
My Better Half
Se Que Te Mueres Por Mí
Natures Mortes I
I´ve Lost Control Again
Hip Ahora, Mañana Who Knows
Quinquenio
What if?
The Space Between Now and Then
Vanishing Act
Oh! Sweet Nuthin’
More Than This
Solo project, Art Dubai
Solo project, Pinta Art Fair
Here we are now, entertain us,
Too drunk to fuck
Vanishing Act
Two Black Monoliths
Erase Memory