A lo largo de la historia, la verticalidad ha servido como un puente entre las personas y el cosmos. Esto nos habla de la fascinación por algo que está a la vista, pero permanece de manera irrevocable como un misterio.

Representar algo mediante una forma indica la presencia de un deseo. Es la manifestación de una fuerza en el espacio positivo, mientras que la permanencia del objeto vertical también funge como la aniquilación de dicho deseo. Es una tensión constante entre el la presencia y el vacío.

Soy el aire, soy el Sol es una exhibición conformada por una serie de sesenta columnas, creadas a partir de un bloque sólido de madera. En ellas, distintos fragmentos geométricos han sido removidos para dar paso al vacío. Esto hace que la escultura siga una lógica propia, en la cual la verticalidad y el volumen del prisma original permanecen de manera virtual.

Las esculturas pueden observarse desde diferentes ángulos, en los cuales la sustracción de varias de sus partes no impide la construcción mental de una imagen original. Esta metáfora sobre la presencia invisible de la forma hace que las esculturas estén sujetas a ser interpretadas, primero, de manera literal, para después dar paso a una asimilación poética de la cualidad inmanente de las cosas.

Mediante la repetición, los patrones naturales toman la forma de algo familiar. Aldo Chaparro sugiere que la relación imbricada entre la mano del hombre y la fuerza de los elementos naturales es un flujo recíproco y constante que atraviesa el objeto y lo modifica.

Una forma puede poseer cualidades que nos remiten a una imagen precedente a la consciencia, sin embargo, esto no es una cualidad exclusiva de la Naturaleza. Los objetos creados por la mano humana pueden volverse familiares mediante nuestra relación temporal con ellas. Un ejemplo de esto es la silla utilizada por el pianista canadiense Glenn Gould (1932-1982).

Cuando Gould era joven, le pidió a su padre que le ayudara a ajustar una silla de madera cortándole las patas y poniéndole unos niveladores bastante sencillos. Esta silla le permitía tocar el piano a una menor distancia y más abajo de la altura del teclado. Durante toda su carrera intentaron cambiarle la silla por otras mas cómodas y mejor diseñadas, pero él jamás quiso cambiarla. Con los años, la silla perdió el tapiz y Gould acabó sentándose en una sola tabla sin relleno o tapiz, que a la vista se notaba tremendamente incómoda. Sin embargo, esta silla se convirtió en un objeto indisociable de la práctica artística de Gould.

Aldo Chaparro retoma la silla de Glenn como un objeto escultural que puede ser visto a través de su superficie y también como un vehículo para la repetición de un fenómeno en el cual Ana Gabriela Fernández y Alejandro Rosso, músicos profesionales, con diferentes antecedentes en la ejecución pianística, interpretarán una pieza de Bach en un intento por entender la singularidad de la experiencia.

Al recrear las condiciones para interpretar la pieza de Bach a la manera de Gould, el performance funciona también como un dispositivo con el cual el fenómeno puede tener cierta materialidad temporal mientras la silla siga funcionando como su catalizador.

Valle de Bravo es el hogar de Aldo Chaparro y es el centro desde el cual se origina su creación artística. Se ha convertido en un ecosistema que, al igual que esta exhibición, es una extensión del lugar y de las ideas del propio artista.

Esta exhibición tiene como finalidad mostrar el arte de Aldo Chaparro desde una mirada cercana, en la cual el espacio idóneo para exhibir no es otro que el de su comunidad. Al hacer esto, la exhibición propone que la creación sea el centro de la experiencia mediante la cual el espectador puede resignificar las propias nociones estéticas. Acercar el arte hacia las personas dentro de su propio contexto es un esfuerzo por extender los límites del arte y, por tanto, de los diálogos que puedan surgir a partir de esta experiencia.

A un lado de la carretera panamericana, en el pueblo llamado Metetí, Panamá, se encuentra un hotel llamado Hotel Felicidad.

Metetí siempre ha sido conocido como un lugar de tránsito, ya que desde los años 70 –cuando el gobierno abrió camino en la durísima selva del Darién– muchísimos migrantes de todo tipo, pero especialmente africanos, inician ahí su largo recorrido hacia Norteamérica.

Hace unos meses –durante esas exploraciones en internet que empiezan buscando camisas y terminan encontrando pingüinos– me encontré con esta historia fantástica, que en gran medida le dio forma a esta exposición.

Durante la década de 1980, los migrantes africanos encontraban en Metetí un lugar para un merecido descanso en su camino hacia la peligrosa y densa selva del Darién. Se escondían donde podían, incluso en los famosos bunkers construidos por los gringos en 1941 después del ataque a Pearl Harbor ­(pues estaban convencidos de que ahí sería el próximo ataque japonés), y que ahora se han convertido en uno de los atractivos turísticos de Metetí.

Las condiciones de vida de estos migrantes eran muy duras, en los bunkers y en la selva, pues además de enfrentar las dificultades del medio, eran duramente perseguidos por el Senafront (Servicio Nacional de Fronteras) en su paso por Panamá.

En esos años, y hasta hace poco, la dueña del Hotel Felicidad era una mujer en sus 40 llamada por todos “la patrona Isabel”. Ella era una gran amante de dos temas importantes: la música de los años 70 y 80, y su secreta labor escondiendo, cuidando y protegiendo a los africanos que estaban de paso por Metetí.

La patrona Isabel dedicaba sus pocos ingresos, y la infraestructura de su hotel, a dar asilo y ayuda a todas esas personas en su incierto camino hacia el norte del continente. Cuentan las historias que, en las calientes noches del verano panameño, inmigrantes y pobladores de Metetí se juntaban en los jardines del Hotel Felicidad a tomar, bailar y hacer música. Al parecer, en un intento por complacer a su generosa anfitriona, los migrantes africanos combinaban su propia música con sonidos ochenteros, lo que dio origen a un tipo de música de un sincretismo sin precedentes que los locales llamaban rockoteti.

Durante años, la patrona Isabel ayudó en su paso a cientos de migrantes, dándoles asilo y comida a cambio de música y fiesta. Es prácticamente imposible encontrar ejemplos del famoso rockoteti, pero la historia desató en mi imaginación una cantidad infinita de imágenes y asociaciones que resultaron en algunas de las piezas que pueden ver en esta exposición.

La combinación de música, culturas y buena voluntad, en un contexto tan complejo, me recordó mucho el momento que estamos viviendo, y es por eso que decidí trabajar estas pinturas durante la cuarentena, como un recordatorio de lo que para mí debería ser la verdadera felicidad.

Hotel Felicidad

On one side of the Pan-American highway, in the town called Metetí, Panama, there is a hotel called Hotel Felicidad (Hotel Happiness).

Metetí has ​​always been known as a place of transit. Since the 70s –when the government made its way through the harsh Darién jungle– many migrants of all kinds, but especially Africans, began their long journey to North America there.

A few months ago ­–during those explorations on the internet that start looking for shirts and end up finding penguins– I came across this fantastic story, which to a large extent shaped this exhibition.

During the 1980s, African migrants found in Metetí a good place for a well-deserved rest on their way to the dangerous and dense Darién jungle. They hid where they could, even in the famous bunkers built by the gringos in 1941 after the attack on Pearl Harbor (since they were convinced that the next Japanese attack would take place there) and that have now become a tourist attraction of Metetí.

The living conditions of these migrants were very difficult, in the bunkers and in the jungle. In addition to facing the difficulties of the environment, they were harshly persecuted by the Senafront (National Border Service) in their passage through Panama.

In those years, and until recently, the owner of the Hotel Felicidad was a woman in her 40s called by all “la patrona (the boss) Isabel.” She was a great lover of two important themes: the music of the 70s and 80s, and her secret work hiding, protecting, and caring for the Africans who were passing through Metetí.

La patrona Isabel dedicated her little income, and the infrastructure of her hotel, to provide asylum and help all those people on their uncertain path to the north of the continent. The stories tell that, on the hot nights of the Panamanian summer, immigrants and residents of Metetí gathered in the gardens of the Hotel Felicidad to drink, dance, and make music. Apparently, in an attempt to please their generous hostess, African migrants combined their own music with eighties sounds, giving rise to a type of music of unprecedented syncretism that locals called rockoteti.

For years, la patrona Isabel helped hundreds of migrants in the passage, giving them asylum and food in exchange for music and parties. It is practically impossible to find examples of the famous rockoteti, but this story unleashed in my imagination an infinite amount of images and associations that resulted in some of the pieces that you can see in this exhibition.

The combination of music, cultures, and goodwill, in such a complex context, reminded me a lot of the moment we are living in, and that is why I decided to work on these paintings during the quarantine, as a reminder of true happiness.

When the quarantine started, we all had to save ourselves.

Some of us watched many series, some had many virtual meetings, others exercised, some resumed their hobbies, but those who had the least difficulty being locked up were the artists, they continued doing what they always do.

Being in his studio working, thinking, and creating.

In the case of Aldo Chaparro and Fernanda Caballero, this house/studio is located in Valle de Bravo. Through their networks, they made us participants in their creative process. Through their networks they made us participate in their creative process.

We saw how new works began, how some previous series continued or developed or how they created some unique pieces.

We also saw them live their daily lives where yoga, art, gardening, multiple animals, and pets coexist without beginning and end. In my case, it was very enriching to live these times through them. Now in this exhibition, their first set shows us the result of all this and they bring us a little of that life that they lead to this exhibition space.

Work full of color, life, and love.

Alejandro Romero

Art Miami and CONTEXT Art Miami Special Online Edition

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Una exposición de Aldo Chaparro y Alex Romero

Curada por Alonso Cedillo

Cozumel 81, Col Roma, CDMX

Too Late To die Young

Espacio German Krüger Espantoso

Sede ICPNA Miraflores, Lima Perú, March 12, 2020

Retrospective

Aldo Chaparro

Cuaratorship

Max Hernández Calvo

A lo largo de los años, el trabajo de Aldo Chaparro ha respondido a una metodología fundamental: establecer una relación de tensión con una materia para transformarla. Dicha relación puede estar atravesada por un sentido lúdico o responder a una mirada irónica, pero siempre busca hacer surgir nuevas posibilidades contenidas en los materiales, las formas, las técnicas, los procesos, y los conceptos.

Además de su relación obstinada con la materia física (como aquellas piezas que surgen de una pugna con el acero o la madera), Aldo Chaparro también lidia con materias intangibles como los conceptos artísticos y los protocolos del mundo del arte. Así, por ejemplo, juega con la noción de tallado, extrapolando dicha técnica escultórica tradicional para hablar del vacío, o, asimismo, parodia la idea de originalidad y autoría mediante sus múltiples citas (como las letras de canciones en sus posters) y sus trabajos colaborativos (con el grupo de música Plastilina Mosh, con el escritor Mario Bellatin, o, transtemporalmente, con su padre, José Chaparro). El artista también se replantea las distinciones entre el diseño y el arte o la contemplación y la funcionalidad, como con su Mesa para galerías o MCHF, su pintura de pared para salas de exposición. En esa línea, cabe recalcar la difusión que hace del trabajo de otros artistas. El Aparador Cuchilla, que recrea el de su estudio en Ciudad de México, nos ofrece la oportunidad de ver la obra de otro artista (Pablo Ravina).

Acaso la gran preocupación que atraviesa la trayectoria de Aldo Chaparro concierne a la pregunta “¿qué (más) significa ser un artista?”. Para entender como ha intentado responder dicha pregunta, se ha optado por incluir su voz, que describe los proyectos seleccionados para la muestra, que revelan su aproximación, metodología, y preocupaciones fundamentales, así como la profundidad filosófica de su humor.

He ahí el sentido de su referencia a la muerte en el título: ya es demasiado tarde para morir joven (el dudoso glamour maldito del romanticismo), pero tampoco es cuestión de pedirle a la muerte que se apure. “Carpe diem” decía Horacio. Pero no debemos olvidar las palabras que le siguen a ese poema: “quam minimum credula postero”—confía mínimamente en el mañana—.

Max Hernández Calvo

Songs for Fernanda

Nueve Ochenta

Diagonal 68 #12 – 42, Bogotá Colombia, March 12, 2020

Works by

Aldo Chaparro

Yo siempre pensé que el color era un conocimiento innato que se iba sofisticando con el tiempo y la práctica, definitivamente ese no fue mi caso.

Durante años intenté pintar, pase del figurativo al abstracto muchas veces, manche, hice collage, usé textos, hoja de oro, óleo, acrílico, pigmentos naturales, dejé mis bastidores al sol, a la lluvia, estudié a Tiziano, Rivera, Velazquez, Picasso, Mondrian, futuristas, modernistas, cinetistas etc.

Pero mis pinturas tenían un error en su propio eje: siempre intentaban hablar sobre el volumen, si no era un volumen representado en la superficie del cuadro era acerca del volumen mismo del cuadro, era evidente que mi relación con el volumen, el eje de mi actividad como escultor, era un obstáculo para relacionarme con el color libremente.

No fue hasta que regrese de un viaje a Marruecos donde en un pueblito de los Atlas buscando textiles descubrí los boucherites, se trata de textiles que podrían interpretarse como mal hechos, de hecho en la ciudad nadie los vendía y se ofendían si preguntaba por ellos. No están mal hechos, se trata de un trabajo más suelto, que evidentemente parten de la improvisación, esa evidente soltura que rompía con todas las reglas de composición y uso del color me marcó para siempre. Cuando regrese a méxico cargado de boucherites me dedique a tratar de entenderlos sin mucho éxito pero fue ahí donde apareció en mi el deseo de solucionar ese asunto pintando yo mismo.  Podríamos decir que los Boucherites detonaron en mi una conexión conmigo mismo menos cerebral y más instintiva, ahora cuando empiezo un cuadro no tengo idea a donde iré y cómo llegaré. Contrario a el resto de mi trabajo que es bastante más cerebral y técnico, pintar para mi a esta edad es una forma de conectar conmigo mismo, conectar con ese canal o fuerza que no controlamos, esa fuente constante de emociones, imágenes y sentimientos que no se pueden traducir o dominar, solo puedes aspirar a que en algún momento cuando estás distraído se apodere de ti y te utilice como un instrumento para materializarse en forma de color y forma. Tal vez la mejor forma que tengo para explicarlas es la música, cada uno es una canción que se debe ver/escuchar esperando que su ritmo reverbere empaticamente en nosotros.

Arriba de la Mueblería

Aldo Chaparro Studio

Cozumel 81, Col. Roma Mexico City, February 4 – April 4, 2020

Works by

Aldo Chaparro

Fernanda Caballero

Carlos Baeza

Alonso Cedillo

Aldo Chaparro Studio presenta cuatro muestras individuales que, de manera simultánea, generan una reflexión sobre flujos y procesos de la producción artística contemporánea en México. Se trata de un conjunto de obras que juegan con la ilusión óptica y la intuición. Guiadas por el placer y el derroche, son sumamente expresivas de nuestra era del simulacro.

Basada en el tópico vanitas, alegoría barroca sobre la transitoriedad de la vida, Cha Baeza expone una serie de fotografías que reformula motivos iconográficos de la naturaleza muerta y el bodegón, actualizando la vigencia de dichos géneros. Las fotografías de Baeza engañan al ojo del espectador: su técnica de claroscuro es lo bastante hábil como para hacerse pasar por pinturas.

En la galería encontramos la exploración pictórica más reciente de Aldo Chaparro, quien también opta por el trampantojo como estrategia. Al interrogar los límites entre los soportes artísticos, sus pinturas modulares se reconfiguran de manera tridimensional en el espacio, haciéndose pasar por esculturas, o bien, por relieves. Estas se inspiran en los boucherouites de Marruecos, textiles hechos de retazos que no obedecen a ningún patrón fijo, tan solo a la armonía entre colores y la acumulación de formas sobre sí.

Parodia de los gabinetes de curiosidades del siglo XVII (wunderkammern), Alonso Cedillo comparte sus Reaction Paintings, conjunto de pinturas de pequeño formato que mimetiza las “reacciones” de Facebook. Mediante un procedimiento análogo vinculado al arte post-digital, las creaciones de Cedillo ironizan sobre los tiempos de hiperconsumo y likes instantáneos, donde el juicio estético se ha vuelto frívolo.

Por último, Fernanda Caballero se apropia del Aparador Cuchilla con un trabajo pictórico que trastorna su dinámica habitual. Desde el año 2009, por iniciativa de Aldo Chaparro y Alejandro Romero “Chicle”, el aparador ha albergado en su interior distintas comisiones in situ. Así, Caballero decide instalar la pieza al exterior del mismo, de modo que el azar y el clima dictarán su destino. El gesto puede ser interpretado, en última instancia, como una poética del desprendimiento.

Juan Pablo Ramos (UNAM) | IG: @elguaruradelucero

The Abstract Cabinet

Galería Eduardo Secci

Florence – Italy, June 271 – September 7, 2019

Curated by Friederike Nymphius Dates

Eduardo Secci Contemporary is pleased to present the exhibition The Abstract Cabinet curated by Friederike Nymphius.

The show will feature works by a group of international artists coming from different artistic as well as cultural backgrounds. Although working with different media, they share an interest in abstract principles, interpreted and employed individually by each artist. The character of the concept is accentuated by the formally reduced formal aspect of the works, by the use of few colors like black, white, grey, silver contrasted with bright pink and blue. The artists mix an abstract vocabulary with a strong consciousness for the presence thus emphasizing the specific aesthetics of the show.

As the rest of his sculptures, Aldo Chaparro’s Totems(Lima, 1965,lives and works in Mexico City, New York and Lima)aren’t trying to create the illusion of reality. He has abandoned true to life perspective, working with artificial space relations that makes us think not into reality, but into its essence. This act allows us to the idle space and moment of creation, inwhichyouget to know yourself until you construct yourself. Caro Jost (Munich 1965, lives and works in Munich and New York) based her research on the reproduction and documentation of time, space and events and placing them in a current, contemporary context. She started her long-term project Streetprintsin New York: using a special, self-developed technique to capture traces of the past, Jost takes real imprints of street and sidewalk surfaces on canvas from so far over 80 cities worldwide. “Streets and sidewalks are the purest reflections of our human way of life”, she once declared. Beth Letain (California, 1976, lives and works in Berlin) works on monumentally scaled paintings, adamantly, absurdly honest about what they are: brightly colored stripes, squares, stacks, and slabs suspended across impossibly weightless white grounds. These are lively and quotidian forms, easily named but stubbornly resistant to description. In their simplicity, their unassuming thematic variations, these works hold up a mirror to painting’s modernist past.Gerold Miller(Altshausen, 1961, lives and works in Berlin) hasalwayspursued a radical and elegant strategy in which he exits the picture without actually leaving it. The Monoforms are the furthest reaching development in this direction, for they stretch the traditional format of the ‘picture’ to the extreme. The actual process of arriving at the image has to be done by the viewer. By pointing to the wall as the ultimate ground, and dispensing with colorand form as theonlymeans, Miller revokesthe boundaries of abstract painting and minimalist sculpture, andpushes these categories into the realm of the conceptual. Michael Staniak(1982, Melbournewhere he currently lives and works) creates the paintings mostly by hand -he builds up texture with uneven layers of plaster and then paints the surface in a range of ways -his paintings bear an uncanny resemblance to flat digital prints.Indeed, one must viewthe works up close to perceive any texture or depth, and as such, they behave like contemporary trompe l’oeil paintings that baffle the senses. The works of Katja Strunz(1970, Ottweiler, lives and works in Berlin)bear the traces of lived experience, of a past that manifests itself through the use of recycled materials. Her sculptural practice, seeped in history, finds its roots in the constructivists and avant-gardes. While elegant in their construction, the sculptures also retain a handmade aspect, revealing their aging over time. The influences of Blair Thurman(1961, New Orleans, lives and works in New York)range from Pop art and Minimalism to relics from childhood, popular music, and 1970s cinemas. His standardized forms, pulled from slot-car racetracks, architectural frameworks, and found shapes from daily life, comprise a personal iconography; the fascinations of boyhood working to render the subliminal realm of abstract geometries more idiosyncratic and accessible. The industrial printer isthe most natural artistic medium for Thomas Wachholz(1984, Cologne, where he lives and works): from the very beginning he has been experimenting with its technical capabilities, testing the limits of what is feasible.The composition of the image which normally marks the unremovable beginning of graphic design, is shifted to the end and claims herewith a newpositioning for graphic design. Wachholz’ investigation on the limits of painting generates an art of opposites: machine versus manual, fullness versus void, color versus non-color.

Lengua Barbara

Galería Casado Santapau

Madrid – Spain, January 31 – March 3, 2019